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CONCURSO Preestreno de Turbo

¡Queremos llevarte gratis al cine!

Por cortesía del portal SensaCine y de los cines Kinépolis os ofrecemos la posibilidad de conseguir 1 entrada cuádruple que sorteamos para acudir al preestreno de Turbo.


Concursar es muy sencillo, solo tienes que hacerte seguidor del blog en el menú de la izquierda y contestar a una sencilla pregunta, ¿cuál es tu personaje de animación favorito y por qué?

Recordad que es esencial que contestéis en este post o al email raquel.hernandez27@gmail.com indicando vuestro nombre y apellidos y una dirección de correo electrónico.

También podéis concursar a través de Twitter utilizando el hashtag #QuieroCinePreestreno y @RaqHdez y @SensaCine.

Los ganadores de las entradas se publicarán el 7 de octubre y recibirán un email de confirmación para acudir al preestreno del día 10 de octubre a las 19:30 en los cines Kinépolis de Madrid.

Os dejamos el tráiler para que vayáis abriendo boca:


ESE OTRO CINE: Hierro 3

Ver cine es una búsqueda constante, tanto de nuevas sensaciones como de una originalidad que parece se ha perdido en los últimos tiempos, en los que, a los que buscamos esto (y huimos de bombazos y efectos especiales con argumentos endebles), cada vez es más difícil que nos impacte una película.

Vamos digiriendo, intentando seleccionar de la mejor forma posible; pero entre la falta de ideas del cine americano (americanizando-adulterando buenos trabajos de otros y explotando remakes…) y rebuscando entre la, a veces, pobreza de un cine nacional, ampliamos las miras y ¡zas!, de repente aparece, y nada menos que de la mano de Kim Ki-duk, esta maravillosa película que reúne varios temas de la forma más insólita.


El título original de Hierro 3 es Bin-jip, que significa “Hogares vacios”, en inglés 3 Iron. Producción surcoreana del año 2004 clasificada en el género del romance o drama romántico. Hee Jae (Tae- Suk en el filme), es  un joven que se dedica a entrar en moradas ajenas para ocuparlas temporalmente. Su objetivo no es robar nada, lo único que hace es comer algo, dormir, hacer la colada, regar las plantas y arreglar algún objeto estropeado. Intenta de algún modo acercarse a sus ausentes dueños haciéndose fotos con las suyas detrás, investigando sobre sus vidas y sintiéndose ellos mientras dure la estancia.

De ese modo un día vivirá como un boxeador; otro como un fotógrafo, un empresario, etc. El por qué de estas ocupaciones no lo sabemos, podría ser para llenar la “casa vacía” de su alma, de su soledad, de su actividad, de su existencia... que también está temporalmente ocupada por él mismo. Podría ser una filosofía de vida, en la que, de esta manera, no tendría que trabajar ni hacer frente a los gastos que conlleva tener una casa en propiedad. Aunque siempre hay un roto para un descosido y seguramente su manera de olfatear foráneo le estaba llevando a una extraña pesquisa. Quien comienza un rastreo insólito (como es extraño el utilizar ese “hierro 3”) obtiene lo que busca, en este caso se encuentra con la horma de su zapato y el amor.


Como era de esperar, este tipo de vida que lleva Tae-suk, en cualquier momento se vería truncada y así finalmente ocurre. Hee Jae Seung-yeon lee (Sun-hwa en el filme) un día permanecerá oculta en una de las casas ocupadas por Tae-suk, observándole ella a él en silencio. Ese silencio que será el idioma que hablarán los protagonistas. Sun-hwa, que en tiempos fue una hermosa modelo, vive ahora en casa de un rico marido que la maltrata y encierra. La aparición de Tae-suk en su vida será un soplo de aire fresco al que no pone resistencia a la entrada en sus pulmones, ya que le aportará la vida de la que carecía hasta ese momento.

Según las propias palabras de Kim Ki-duk: "La idea se me ocurrió en octubre del año pasado. Estaba quitando un folleto que estaba pegado en la cerradura de la puerta de mi casa cuando de pronto se me ocurrió que todas las casas que tenían esa publicidad intacta durante varios días debían de estar vacías. La imagen de una casa vacía en la que no entra nadie me llevó a la historia de una persona muy solitaria, aislada de los demás, y decidí hacer una película acerca de un hombre que entra en ella y colma ese vacío con calidez".


Los temas que podemos ver en esta película son:
  • Lo espiritual: El protagonista es una especie de fantasma que habita las casas; intenta perfeccionar tanto la técnica que finalmente consigue no ser detectado.
  • Triángulo amoroso: Sun-hwa vive con un marido rico al que detesta por su comportamiento machista, celoso y obsesivo, la quiere pero la maltrata y encierra y se empeña en forzar su amor. Ella vivirá entre recuerdos de otros tiempos, en los que fue una modelo bella, famosa e independiente. Cualquier señal le hubiera servido para abandonar la vida que llevaba y ese hogar rico en lujos pero también en falsedad e infelicidad. La aparición de Tae-Suk en su vida será esa señal. “Hierro 3” es un palo de golf que jamás se utiliza, la simbología del número tres estará unido también a este inusual personaje.
  • El amor silencioso: La mayor originalidad de la película reside en que los dos protagonistas no se llegan a hablar (verbalmente) en toda la película. Aunque a veces es un poco forzada la obstinación del director en que no se digan absolutamente nada, resulta de lo más llamativo ver como la historia nos la cuentan los demás. No les hace falta el diálogo, ellos no tienen esa necesidad, y, sin embargo, no puede existir un tipo de conexión más grande que el de los que se entienden sin hablarse.

Lo más disfrutable de la película:
  • Las metáforas: Abundantes en toda la película, que sugieren, que nos cuentan sin apenas hablar, que nos hacen pensar mucho con muy poco. La pelota de golf atada, golpeada y finalmente liberada. El sentido de propiedad que rehusa el protagonista. Ese sentido de reparar los objetos estropeados; igual que hace con Sun-hwa, como otro objeto más que se encuentra en una casa y está roto. Él no querrá poseerla como su marido, ella se va con él libremente, finalmente la “repara” y la devuelve a su hogar. Para seguir "tomando prestado" lo que precise.
  • La originalidad: Tanto el argumento, como la filosofía de vida, como las búsquedas, como los comportamientos, aportarán gran originalidad. La manera en la que el protagonista, con su extrañeza, encuentra a alguien que no sólo se adapta a él si no que es su complemento perfecto es difícil de conseguir. Las necesidades de vacío harán el resto. Un chico extraño y solitario y una mujer maltratada, que vive de antiguos recuerdos y es dependiente de un error. Estas dos personas se abrazan para tapar los vacíos en sus necesidades y buscarán la fórmula para, de la misma manera en que vivían, pasar de la tristeza a la alegría.



En definitiva, una película cien por cien recomendable si huyes, como yo, de archiconocidas y explotadas fórmulas y deseas visitar un buen contenido que, sin palabras, nos contará tantas cosas...

-Pedro Pablo Blanco-

CRÍTICA Jobs


Jobs cuenta cómo un grupo de amigos logra desarrollar una gran compañía empezando desde muy abajo. Se trata de un periodo de la vida de Steve Jobs, el genio de Apple, de cómo un sueño se cumple pero con mucho esfuerzo, dedicación, trabajo y sufrimiento por el camino.

El gran visionario supo ver el futuro como ninguno y revolucionó el mundo de las computadoras al saber fusionar la belleza con la funcionalidad y haber estado continuamente innovando y creando la diferencia tanto estética como tecnológica. Sobre todo como genio creativo, perfeccionista y experto en marketing que sabía transmitir en parte por su faceta, un poco egocéntrica que le recordaba continuamente que tenía que ofrecer lo que el quería para sí mismo, que como ya habréis podido imaginar era: lo mejor, lo más exclusivo, lo último.

A veces incluso resulta un poco contradictorio porque en parte se ve que lucha contra viento y marea para llegar a todos, para transmitir que todos somos dignos de un computador personal como prolongación de nosotros mismos, hasta “la abuelita de Nebraska”, pero claro no hay que olvidar que aunque su sueño era el acceso de todos a los medios, sus fines no sólo eran comerciales sino sumamente ambiciosos, faceta ésta que consigue que se distancie de muchas personas a lo largo de su vida y en ocasiones le haga sufrir, le impida disfrutar del momento y ser feliz.


Digamos que, como su mente iba tan rápido a veces se quedaba solo, como cuando tienes prisa y caminas inclinado hacia delante, esto es un peligro porque no sólo te quedas solo, sino que además con esas prisas puedes tropezar por querer correr tanto, es curioso incluso como precisamente él andaba de esa forma, parece que pensaba tal y como caminaba.


No podemos decir que esta cinta de Joshua Michael Stern refleje la biografía completa de Jobs, hay demasiadas cosas que se echan en falta. Más bien relata un determinado momento de su vida, cómo se creó la gran compañía Apple Computer Inc. en el garaje de la casa de sus padres adoptivos y el precio que parece tener que pagar para llegar donde llegó.

Si ves la película sin saber nada de la vida de Steve Jobs, se refleja una versión un tanto descafeinada de una mente compleja que siempre buscó lo intuitivo y la sencillez a través de los ordenadores y, aunque despierta emociones, se queda un tanto en la superficie sin llegar a calar profundamente, puesto que a veces insinúa acontecimientos que no llega a explicar con detalle y que no entenderías a no ser que tuvieras información extra por otras fuentes ajenas a la película.


Parece también una película hecha para lucimiento de Aston Kutcher que, si bien físicamente lo borda, no llega a transmitir en su totalidad las frustraciones, decepciones, alegrías, tristezas, etc. que el personaje experimenta a lo largo de esa parte de su vida, tan agitada.

En ocasiones parece ser intercambiable con su personaje de Dos hombres y medio porque, aparte de la buena caracterización, resulta poco creíble, es posible que no sea del todo culpa suya puesto que como decía hay momentos que no terminan de explicar las cosas que le pasan, simplemente las apuntan y no las desarrollan, por ejemplo, el distanciamiento de sus amigos de toda la vida, que resultaría clave para el desarrollo de su personaje sólo lo explican diciendo que “ha cambiado”, entonces aunque no te pierdas sí que te saca un poco de la trama. Por ejemplo cuando se porta mal la película no explica por qué lo hace, lo cuenta y punto, como si fuera un telegrama, no se extiende sólo lo dice y ya está, si la veis veréis a que me refiero. No digo que nos hubieran sacado la lágrima fácil pero si hubiera sido interesante explicar mejor lo que Apple representaba para él porque parecía ser su único amor.


Un punto muy bueno a su favor es la cámara semisubjetiva que sí permite ver el punto de vista del personaje principal (sobre todo el la presentación del iPod), también me parece muy acertada la opinión de una de las lecturas que ponen sobre la mesa, que es la siguiente: cuando ves que todo se desmorona vuelve a los orígenes pues en ellos está la respuesta de por qué lo se hacen las cosas de una determinada manera, ahí cumple un papel fundamental Steve Wozniak, el genio entrañable y amigo de su juventud (interpretado por Josh Gad) que sí logra emocionar desde el principio y durante toda su trayectoria y desarrollo resultando sumamente creíble y magníficamente interpretado.


Destaca la parte en la que Steve Jobs regresa finalmente a Apple y le dice a los empleados que hagan lo que quieran pero que creen algo y uno de los empleados (uno de sus mayores apoyos en esa segunda fase de su periplo por Apple) saca los rotuladores de colores y se pone a pintar y a crear tal y como le había animado su recién llegado jefe: digamos que ese momento representa en realidad su vuelta definitiva porque recupera algo que parecía haber perdido: la ilusión.

Nota: 6/10

Lo mejor: Los hippies de los años 70 y el homenaje al grupo de amigos del final mostrando fotos de los personajes a los que representa comparándolos con fotos de las personas reales.

Lo peor: Intenta ser una historia evocadora e inspiradora pero no profundiza, no logra del todo  “llegar al corazón”, precisamente una de las frases que utilizan los personajes de la película cuando hablan de sus intenciones al crear.

CRÍTICA La gran familia española

La gran familia española nos retrata una inusual y a la vez normal familia compuesta por un padre y sus cinco hijos, con una madre ausente y un sinfín de problemas que parece homenajear a "LA FAMILIA" (con acento italiano y uniendo pulgar con índice) esa que todos tenemos, mediante la singularidad e imprescindible presencia de cada uno de sus miembros a cada cual más peculiar.

El cuarto largo de Daniel Sánchez Arévalo (Azuloscurocasinegro, Gordos, Primos) desde el principio promete con un comienzo sobre la historia familiar narrado por el más joven de los hermanos, Efraín. Él, mediante una narración en el colegio, nos da a conocer su visión sobre cómo comienza su familia, cómo sus padres planearon tener muchos hijos, tantos como en la película: “Siete novias para siete hermanos” que era la película preferida de sus padres y la que simbolizaba su unión. Sin embargo, más tarde, cuenta cómo su madre les abandona y el niño termina declarando su amor a una niña (Carla) al término de su narración en medio de clase para poder continuar con la familia que su padre empezó.

Diez años después, nos muestran los momentos actuales en los que esos dos niños, ya con 18 años, van a casarse, casualmente el día en que la selección de fútbol masculina de España "la roja" juega la final de la copa del mundo en Sudáfrica en el 2010. El fútbol es la excusa perfecta para realizar comparaciones continuamente sobre los objetivos que se plantean en la vida sus personajes y cómo hay que luchar por conseguir lo que uno quiere sin rendirse, porque puede ser posible que se haga realidad (puede ser posible ganar). A pesar de las dificultades hacen equipo para salir adelante, al igual que en el partido.


La película nos va presentando de manera divertida a sus personajes, en cuanto a los cinco hermanos, todos con nombres bíblicos y por orden alfabético, como en la película preferida de sus padres; el hermano mayor, Adán (Antonio de la Torre), separado y deprimido, con tratamiento psiquiátrico, un poco neurótico e imprevisible, con una hija pequeña loca por el fútbol, sorprende con sus reacciones y equilibra en determinadas situaciones a pesar de estar un poco desquiciado. Benjamín, el segundo hermano (interpretado magistralmente por Roberto Álamo) con una deficiencia psíquica pero que no le impide enterarse de cosas que nadie sabe y demostrar una audacia ante determinados acontecimientos. Caleb (Quim Gutiérrez), el tercer hermano, el más serio y racional de todos, es el que aparece en último lugar pero siempre está presente hasta cuando no está.


Daniel (Miquel Fernández) el cuarto hermano, preocupado por todos siempre, asumiendo un papel que él cree que le queda grande (aunque luego se demuestra que no es así) puesto que siente que tiene que tirar de la familia dadas las circunstancias de su padre (deprimido y triste desde que su mujer se fue) y sus tres hermanos mayores que por un motivo u otro no han asumido responsabilidades. Y por último Efraín, el hermano pequeño, interpretado por Patrick Criado que representa la locura y efervescencia juvenil y cuyos cómplices serán las hermanas Carla (Aranxa Martí) y Mónica (Sandra Martín) que dotarán a la historia de frescura y complicidad en momentos complicados. 


Todo se desequilibra a la llegada de Caleb, dos años ausente por su trabajo como médico en África y que vuelve para asistir a la boda de Efraín. Precisamente la exnovia de Caleb, Cris (Verónica Echegui) está ahora saliendo con Daniel. Eso provoca un enfrentamiento entre los dos hermanos que, como no podía ser de otro modo, despierta una especie de te quiero-te odio que las relaciones familiares conllevan a veces y que el director plasma de manera muy creíble haciendo que nos identifiquemos con ellos.


Con estos personajes se desarrolla una trama rayando lo absurdo que sin embargo va tomando coherencia a medida que se va sabiendo más de ellos. El espectador va almacenando vivencias que pueden parecer un sin sentido hasta que ese caos va convirtiéndose en una armonía parecida a la de los atascos de tráfico. Destacan personajes secundarios como el camarero patoso al que da vida Raúl Arévalo, uno de los actores fetiche de Daniel Sánchez Arévalo, cuya presencia es breve pero intensa (el rodaje coincidió con el de Los amantes pasajeros de Almodóvar) y la prima Marisa (Alicia Rubio) que desatan las carcajadas por sus papeles estereotipados tan divertidos, sobre todo esta última.

Esta familia, con todas sus rarezas y peculiaridades nos presenta a sus miembros de una manera en la que todos tienen un lugar, todos tienen algo que aportar, todos y cada uno de ellos con sus zapatillas de colores y sus cortes de pelo raros y sus salidas de tono, son importantes. El padre (Héctor Colomé) demuestra que a pesar de no haber podido cumplir su sueño de mantenerse unido a su mujer y tener una gran familia, sí que fue capaz de transmitir a sus hijos una unión que no pudieron conseguir para ellos como pareja, y en la parte más trágica de la historia se cuenta cómo un secreto familiar es en realidad un sacrificio y un acto de amor por parte de la madre de los cinco hermanos.


El trasfondo es más profundo de lo que se puede ver a simple vista puesto que a pesar de que se resuelven las tramas, cuando termina no es el final, da la sensación que aunque finalice no se puede evitar pensar en cosas que pasarán después sin necesariamente requerir una segunda parte. El director, que hace un gran trabajo guiando a los actores es además capaz, como guionista, de contar historias redondas y transmitir el proceso de cambio que sobrellevan muchos de los personajes de esta historia y que inevitablemente podremos extrapolar a nuestras propias familias y acontecimientos vitales.

Nota: 8/10

Lo mejor: Atención también a la frescura y originalidad en la forma de rodar la historia, sobre todo a la secuencia en la que Adán, su hija y su hermano Benjamín están relatando a la vez "su versión" de un incidente y también atención al montaje de fotografías que viene a resumir la vida en común de los tres jóvenes Efraín, Carla y Mónica.

Lo peor: Habrá quien encuentre la historia un tanto caótica, pero si tienen un poco de paciencia y ya que el ritmo de la película es muy adecuado, en un momento dado verán cómo todo tiene sentido en el inteligente guión de Sánchez Arévalo, que tiene más lecturas de las que puede llegar a aparentar.

-Alicia Hernández-

CRÍTICA Dolor y dinero


 Seguro que todos conocemos a alguien tan estúpido, cretino y superficial que podría ganar un premio al "tonto del año". Pues ahora os pido que hagáis el esfuerzo de imaginar a esa persona planear un golpe para hacerse millonario robándole a alguien que, aunque con un carácter bastante insoportable, se ha hecho a sí mismo sin que nadie le regale nada. El resultado ya podéis sospecharlo.

Dolor y dinero se presenta con Daniel Lugo (Mark Wahlberg) haciendo abdominales en un soporte colgado de la pared del gimnasio donde trabaja, arengándose con toda clase de piropos de lo fuerte y lo listo que es. Pero, interrumpido por la llegada de la policía, comienza una huida para evitar su detención. Ya en estos primeros minutos de la película Michael Bay (Transformers, La isla, Armaggedon) nos regala unos momentos visuales excepcionales, acompañados de una banda sonora envolvente (gran trabajo de Steve Jablonsky) y una fotografía muy saturada, cuyo responsable es Ben Seresin (Guerra Mundial Z). Con Daniel saltando por los aires la historia retrocede en el tiempo para mostrarnos porque este personaje ha llegado a este punto.


Daniel Lugo es un patriota pero él cree que, para ser un buen americano, hay que tener un cuerpo perfecto y musculado, así como ser un triunfador y tener mucho dinero, sea como sea. Del intelecto y la cultura este pobre diablo parece no tener noticias. Pensando así no es de extrañar que su medio ambiente perfecto sea el mundo de los gimnasios de Miami, donde es entrenador personal. Allí conoce a Victor Kershaw (Tony Shalhoub), un empresario judío de orígenes colombianos hecho a sí mismo, al que entrenará para mejorar su estado físico. El problema es que es un tipo sin escrúpulos, bastante desagradable y que no para de hablar del dinero y las propiedades que tiene (impagable su frase de que "la ensalada la inventaron los pobres"). Esto hará que se encienda la bombilla de bajo consumo de Daniel, viendo en su alumno la oportunidad de ganar una fortuna.

Su plan genial será secuestrar y obligar a Victor  a cederle todas sus posesiones. Pero para ejecutar su "plan maestro" necesitará la colaboración de dos compinches, Adrian Doorbal (Anthony Mackie) y Paul Doyle (Dwayne  Johnson).


El primero es un afroamericano obsesionado con tener un cuerpo de culturista aunque sea a base de esteroides, quizá para compensar un complejo genital, y que tiene una bellota como cerebro; el segundo un exconvicto recuperado por Jesucristo con músculos hasta en las orejas. También serán ayudados por una espectacular striper llamada Sorina Luminita (Bar Paly), cuyo escaso entendimiento le impide ver dónde se ha metido. Ella es novia de Lugo, aunque luego será la tentación que acabe con la castidad de Doyle. Para dar una idea cómo es el personaje sólo apuntaremos que cree realmente que nuestros protagonistas son agentes secretos en una importante misión... ¡!

Como es natural, todo saldrá al contrario de lo previsto y, tras una serie de acontecimientos a cual más desternillante intentarán deshacerse de Victor en uno de los momentos más divertidos de la película: ¡qué difícil es matar a alguien! Pero el rehén sobrevive y dado su irascible carácter, lo increíble de la historia y, por qué no decirlo, sus "sospechosos" orígenes colombianos provocarán que nadie crea en su tragedia: maltratado, humillado y sin dinero. Todos, excepto el policía retirado Ed Dubois (Ed Harris) que aceptará ayudarle para atrapar a los secuestradores.


Mientras tanto Daniel, Doyle y Adrian disfrutan de su nuevo estatus hasta que la vida de desenfreno y drogas de Doyle y Sorina, y el hecho de que Adrian haya gastado todo su parte en la compra de una casa para vivir con su nueva novia Robin Peck (Rebel Wilson), obligan a planear una nueva estafa. El objetivo será el magnate del porno Frank Griga (Michael Rispeli) y, como es natural, todo saldrá mal.

Dolor y dinero es una obra atípica de Michael Bay cargada de un humor negro y ácido, llena de diálogos memorables gracias al gran guión firmado por Christopher Marcus y Stephen Macfeely (Capitán América y Crónicas de Narnia). Estamos ante una comedia, pero no nos equivoquemos, al igual que las buenas tiras cómicas de los periódicos está cargada de una crítica al culto al cuerpo, a la búsqueda por la vía rápida del triunfo, a los estereotipos raciales, a la superficialidad de la sociedad, al patriotismo banal. Es muy reseñable lo bien que están los actores principales, y la agradable sorpresa que supone reconocer que Dwayne Johnson no es sólo una masa musculosa (ya dio muestras de su buen hacer en El mensajero).


No debemos olvidar que todo lo que aparece en la película ocurrió realmente, ya que la historia está basada en los artículos escritos por el periodista Peter Collis en 1999 para el Miami New Times, hecho que Michael Bay nos recuerda varias veces durante la filmación.

Nota: 7,9/10

Lo mejor: Algunos de los diálogos entre los tres protagonistas aunque estúpidos son antológicos (leche materna, parrillas de manos, la devolución en la tienda de bricolaje...).

Lo peor: En un momento dado te deja un mal sabor de boca el haberte estado partiendo de risa de algo que ocurrió realmente.

-Juan Martos-

PREESTRENO Kon-Tiki, un alucinante viaje para el cine noruego


El 27 de septiembre se estrenará en España Kon-Tiki, la película noruega más cara de su cinematografía (16,2 millones de dólares) y que compitió en la pasada edición de los premios Oscar por la estatuilla en la categoría de mejor película de habla no inglesa con películas tan interesantes como Amour, Rebelde (War Wicth), No y A Royal Affair. El galardón finalmente fue a parar a las manos de Michael Haneke, como bien recordaréis.

Kon-Tiki relata del viaje del explorador e investigador Thor Heyerdahl (1914-2002) en su expedición de 1947 por el océano Pacífico desde Sudamérica hasta la Polinesia. Su objetivo: demostrar que en la antigüedad los viajes transatlánticos eran posibles. Por ello, y a pesar de que la tripulación contaba con algunos instrumentos modernos como una radio, relojes, sextantes o mapas, se construyó una embarcación siguiendo las técnicas preincaicas y se demostró que era posible arribar a las costa polinesia dejando que las corrientes marinas y el viento la guiaran hasta su destino.


Lo más interesante de la película es que se desarrolla en tres niveles diferentes: en primer lugar tenemos el material original que sirve de base a toda la historia (el libro de Heyerdahl, el documental que se rodó y que en el 51 obtuvo el Oscar en esa categoría y las fotografías de los protagonistas reales de este periplo), por otra parte tenemos el relato dramatizado de estos hechos y por otra el propio material que ruedan los actores y que recrea el documental que Heyerdahl rodó en 16 y 35 mm. y en blanco y negro (un hermoso ejercicio de cine dentro del cine).


Destaca la actuación del protagonista (Pål Sverre Hagen), que muestra de una forma sutil pero muy efectiva la marcada personalidad del líder de la expedición y, a la postre, el hombre en el que todos creen y sobre el que recae la inmensa responsabilidad de "no estar equivocado".

También es definitivo el papel de Agnes Kittelsen como la esposa de Thor, primero compañera y cómplice y a la postre, esposa desencantada por la falta de compromiso de su marido.

Muchos también reconoceréis a Gustaf Skarsgård, de la serie Vikingos y Camino a la libertad.


Nota: 8,5/10

El momento más emocionante de Kon-Tiki: el equipo de Heyerdahl navegó durante 101 días recorriendo aproximadamente 8.000 kilómetros. Un plano cenital nos muestra a los seis exploradores tumbados mirando las estrellas mientras reflexionan sobre la calma del mar, la insignificancia del ser humano y sus bagatelas y sobre la "aceptación de la propia naturaleza" de su empresa... Todo parece tan lejos... ¿Seguirá todo como lo dejaron? ¿Sus ciudades, sus familias? Recordemos que en el 47 apenas habían transcurrido dos años desde el final de la Segunda Guerra Mundial... A continuación, una de las elipsis más poéticas de los últimos tiempos, nos lleva a hasta la estratosfera para luego regresar al barco. Han pasado los días y ya están cerca de su objetivo.


Lo mejor: cómo están integrados los efectos digitales de los tiburones o Lorita en las aguas del Pacífico, las relaciones entre la tripulación y la plasmación del espíritu aventurero de Thor Heyerdahl, una personalidad que, como su propia esposa le dice antes de abandonarlo "le habría hecho flotar en las aguas". La banda sonora también es fabulosa, consiguiendo que el tramo final resulte muy emocionante.

Aquí tenéis una muestra del alucinante tratamiento digital de la cinta:


Lo peor: que se estrene tan tarde en nuestros cines y que apenas se esté promocionando. Es una película que merece atención tanto por la historia que narra como por la forma en la que se desarrolla el relato y las reflexiones a las que invita. En Noruega ha supuesto un éxito rotundo: 900.000 espectadores la han respaldado en carteleras y se encuentra entre las cinco primeras películas más vistas de toda la historia del cine noruego. Lo que es "un orgullo y un verdadero honor" para los realizadores Joachim RønningEspen Sandberg.

Te gustará si: te apasionan los relatos de viajes y si te emociona que los sueños se hagan realidad.

CONCURSO Preestreno de Rush

¡Queremos llevarte gratis al cine!

Por cortesía del portal SensaCine y de los Cines Palafox os ofrecemos la posibilidad de conseguir una de las 2 entradas dobles que sorteamos para acudir al preestreno de Rush.


Concursar es muy sencillo, sigue los pasos:

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Los ganadores de las entradas se publicarán el jueves 12 de septiembre y recibirán un email de confirmación para acudir al preestreno del día 16 de septiembre a las 19:00 en los cines Palafox de Madrid.

¡Suerte y a concursar! ¡Nos vemos en el cine!